Par la Rédaction | Décembre 2025

Quand Netflix refuse de laisser grandir ses enfants

Le rideau est tombé sur Hawkins. La saison 5 de Stranger Things est disponible et, si l’émotion des adieux est présente, elle laisse un arrière-goût étrange, presque gênant. Le verdict est sans appel : le « suspension of disbelief » – cette fameuse suspension de l’incrédulité – a volé en éclats. Pas à cause des monstres ou de l’Upside Down, mais à cause d’un choix artistique incompréhensible : avoir figé le temps alors que les corps, eux, ont changé.

Le flagrant délit d’anachronisme physique

C’est le choc visuel de cette ultime saison. D’un côté, nous avons des acteurs – Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Noah Schnapp et les autres – qui sont désormais de jeunes adultes accomplis de 21 ou 22 ans. De l’autre, un scénario qui s’obstine à les maintenir dans une bulle temporelle bloquée à l’automne 1987, censés incarner des lycéens de 16 ans.

Le contraste avec la saison 1 (2016) est cruel. Hier : ils avaient 12 ans, des voix fluettes et des visages d’enfants. L’époque (1983) collait à leur peau. Aujourd’hui : ce sont des hommes et des femmes, avec des carrures d’adultes, que la production tente désespérément de camoufler sous des vêtements aux motifs « enfantins » et des attitudes de collégiens attardés.

La costumière Amy Parris a elle-même reconnu le défi au magazine TIME : « Ces jeunes ont bien l’air d’avoir la petite vingtaine. Les motifs donnent un style enfantin et les rayures font plus jeune… » L’aveu est accablant. On habille des adultes comme des enfants pour maintenir une illusion que plus personne ne peut croire.

Le syndrome du BMX : une erreur de direction artistique

L’image la plus douloureuse de cette saison restera sans doute celle de ces gaillards d’1m80 pédalant, genoux contre le guidon, sur des petits vélos cross dans les rues d’Hawkins. Le site AlloCiné pose d’ailleurs la question que tout le monde se pose : « Comment croire encore à ces gamins sur leurs BMX qui sauvent le monde avec leurs talkie-walkies ? »

C’est une erreur fondamentale de direction artistique. À cet âge réel et avec ces physionomies, on ne joue plus aux aventuriers en vélo, talkie-walkie à la main. On conduit. On passe le permis. On traîne dans des parkings. Le refus de l’évolution est total :

• Mêmes maisons, mêmes décors – Aucune évolution sociologique du cadre.
• Mêmes codes vestimentaires figés – Voir des adultes porter la coupe au bol de Will Byers ou les brushings « sages » de Mike en 1987 relève de la caricature assumée.
• Comportements figés – Les interactions restent celles de collégiens, créant un décalage immense avec la maturité physique des comédiens.

« Le vieillissement des ados héros et les désormais vagues marqueurs temporels nuisent à l’immersion. J’ai eu à plusieurs reprises des difficultés à situer l’époque où se déroulaient les événements. 1986 ? 1987 ? 1990 ? »

— FulguroPop

Le rendez-vous manqué des années 90

La frustration est d’autant plus grande que la porte de sortie était évidente. Cette saison 5 aurait dû être celle du saut dans le temps. Pourquoi ne pas avoir propulsé l’intrigue en 1990 ou 1991 ?

Cela aurait tout réglé :

• Crédibilité – Les acteurs auraient enfin pu jouer leur âge réel : des étudiants, de jeunes actifs entrant dans la vie adulte.
• Renouveau visuel – Au lieu de saturer l’écran de la même nostalgie 80s usée jusqu’à la corde, nous aurions découvert la transition vers le style grunge, les chemises à carreaux, les premières voitures personnelles.
• Cohérence narrative – Trois ans et demi entre la saison 4 et la saison 5 dans le monde réel, mais seulement 18 mois dans la fiction ? Le compte n’y est pas.

La défense des Duffer : un argument qui ne tient pas

Face aux critiques, les frères Duffer se défendent. Matt Duffer a déclaré à Variety : « On voit beaucoup de gens qui se plaignent que les acteurs ont l’air bien plus vieux. Moi, ça ne me dérange pas du tout. La plupart ont 21 ou 22 ans, le même âge qu’avaient Natalia Dyer et Charlie Heaton quand ils jouaient des lycéens dans la saison 1. »

L’argument est fallacieux. Dyer et Heaton incarnaient des personnages de 17-18 ans, des terminales. L’écart était de 2-3 ans, acceptable. Aujourd’hui, on demande à des adultes de 21-22 ans de jouer des ados de 16 ans – soit un écart de 5 à 6 ans – et surtout, on leur demande de se comporter comme des collégiens découvrant la vie. Joe Keery, 33 ans, incarne Steve Harrington, censé avoir 21 ans. L’écart de 12 ans devient grotesque.

Un cas d’école pour l’industrie du casting

Pour nous, professionnels du casting et de la figuration, Stranger Things saison 5 est un cas d’école de ce qu’il ne faut pas faire. La série illustre les dangers d’un casting d’enfants pour une production longue sans anticiper leur croissance.

Les solutions existaient pourtant :

• Le time-skip assumé – Comme l’a fait Harry Potter en respectant le vieillissement naturel de ses acteurs sur 10 ans de tournage.
• Le recast partiel – Audacieux mais honnête envers le public.
• L’adaptation du scénario – Faire évoluer les personnages avec leurs interprètes, plutôt que de les figer artificiellement.

Le verdict

Stranger Things se termine sur une note fausse. En refusant de laisser ses personnages grandir aussi vite que ses acteurs, la série nous a offert un spectacle d’adultes jouant à la dinette dans un décor de maison de poupées. Une fin en demi-teinte pour une série qui, ironiquement, a eu peur de l’avenir.

Le plus cruel dans cette histoire ? Les acteurs eux-mêmes semblent conscients du problème. Noah Schnapp a confié à Entertainment Weekly avoir pleuré en regardant les épisodes 5 et 6. On veut croire que c’est l’émotion des adieux – mais peut-être aussi la conscience d’une occasion manquée.

Rendez-vous le 26 décembre pour le Volume 2, et le 1er janvier 2026 pour l’épisode final. Nous verrons si Netflix parvient à sauver les meubles. Mais le mal est fait : la magie de Hawkins s’est brisée sur l’écueil du réel.

La Rédaction de Figurants.com

La saga horrifique la plus célèbre de la dernière décennie revient en salles avec The Conjuring: Last Rites. Présenté comme le dernier chapitre consacré aux époux Warren, le film, sorti début septembre 2025, suscite déjà débats et comparaisons.

Un retour très attendu

Depuis 2013, la franchise Conjuring s’est imposée comme une référence moderne du cinéma d’épouvante, multipliant suites, spin-off et un véritable “Conjuring-verse” qui a marqué toute une génération de spectateurs. Ce nouvel épisode, réalisé par Michael Chaves, s’annonce comme une conclusion : Vera Farmiga et Patrick Wilson reprennent leurs rôles d’Ed et Lorraine Warren, confrontés cette fois à l’une des affaires les plus troubles de leur carrière, inspirée du fameux “Smurl haunting” en Pennsylvanie.

Le film s’inscrit dans une logique de clôture : “dernier rite” pour les Warren, mais pas forcément pour la franchise, qui devrait continuer sa route du côté des séries télévisées. La production promettait une ultime enquête où l’horreur se mêle davantage à l’émotion, en resserrant l’histoire autour du couple mythique. De quoi donner à ce volet une dimension presque testamentaire.

Les premiers retours critiques confirment cette dualité. Beaucoup saluent la performance du duo central, jugée plus intense que jamais, ainsi que certaines séquences de terreur d’une efficacité redoutable. D’autres reprochent cependant une intrigue trop balisée et des effets de peur parfois convenus. Sur Rotten Tomatoes, le film se stabilise autour de 60–65 %, signe d’un accueil mitigé mais solide pour un dernier épisode d’une saga déjà culte.

Un démarrage qui rassure

Côté box-office, Last Rites s’impose sans difficulté : dès sa sortie, il signe un départ remarqué, battant plusieurs records locaux, notamment en Inde où il devance Final Destination: Bloodlines. Un indicateur fort, qui montre que, malgré l’usure d’une formule, le public reste fidèle à la marque Conjuring.

S’il fallait une raison de retourner voir The Conjuring une dernière fois, ce serait pour retrouver Vera Farmiga et Patrick Wilson. Les deux acteurs, fidèles au poste depuis le début, livrent une prestation habitée. Leur complicité à l’écran continue d’ancrer l’histoire dans une dimension émotionnelle forte, donnant au film un souffle qui dépasse le simple registre de la peur. C’est là que Michael Chaves réussit son pari : replacer le lien des Warren au cœur du récit.

Sur le plan de la mise en scène, Last Rites n’invente rien, mais exploite habilement les codes qui ont fait le succès de la franchise. Jeux d’ombre, silences étouffants, apparitions brusques : l’arsenal est connu, mais il fonctionne encore. Certaines séquences, notamment autour de la maison hantée des Smurl, parviennent à recréer cette atmosphère suffocante qui colle à la peau du spectateur. Les amateurs d’angoisse y trouveront de quoi frissonner.

Mais derrière ces qualités se cache un problème récurrent : la prévisibilité. Le film suit un schéma narratif familier, avec des rebondissements que l’on devine bien avant qu’ils ne surviennent. Les critiques pointent également un déséquilibre entre horreur et mélodrame, certains passages s’attardant trop longuement sur l’intime, au risque de casser le rythme. Plus solide que The Devil Made Me Do It (2021), certes, mais loin de la puissance glaçante des deux premiers volets, qui avaient marqué le genre par leur audace.

Présenté comme le dernier film consacré aux Warren, The Conjuring: Last Rites referme une décennie d’horreur populaire. Mais l’univers, lui, n’a sans doute pas dit son dernier mot.

Une conclusion respectable mais pas définitive

En choisissant de resserrer son intrigue autour d’Ed et Lorraine, la saga offre un adieu qui se veut intime et respectueux de ses personnages. Le film ne révolutionne pas le genre, mais il propose une fin cohérente à une histoire débutée en 2013. Pour de nombreux spectateurs, ce chapitre final ressemble à une lettre d’adieu plus qu’à un coup d’éclat : il rassure, mais ne marque pas les mémoires comme un sommet du cinéma d’horreur.

Si les Warren tirent leur révérence sur grand écran, Warner et New Line n’ont pas l’intention d’enterrer le “Conjuring-verse”. Une série dérivée est déjà en préparation pour HBO/Max, et d’autres spin-off pourraient voir le jour. L’univers reste donc ouvert, mais son avenir passera sans doute par un renouvellement des codes et une modernisation des thématiques, faute de quoi la mécanique risque de s’user encore davantage.

The Conjuring: Last Rites n’est pas le meilleur épisode de la franchise, mais il en constitue une conclusion logique. Les fans de longue date apprécieront l’émotion du dernier combat des Warren, tandis que les critiques rappelleront que la saga s’essouffle. Quoi qu’il en soit, la série reste l’une des plus influentes du cinéma d’horreur contemporain, et sa transition vers la télévision sera à surveiller de près.

@JEANO

 

Superman (2025) : Le Nouveau Film qui Divise Déjà les Fans

 

Le très attendu film Superman de 2025, marquant le renouveau de l’icône de DC sous la houlette de James Gunn, semble déjà faire couler beaucoup d’encre. Alors que la sortie approche, les premières réactions sont loin d’être unanimes, certains critiques n’hésitant pas à qualifier le long-métrage de véritable “cauchemar” cinématographique, le plaçant même d’emblée parmi les “pires films de l’année”. Mais qu’est-ce qui suscite une telle discorde autour du Superman de James Gunn ?

Il semblerait que la patte de James Gunn, reconnaissable à son humour décalé et parfois irrévérencieux, ne convienne pas à tous pour l’homme d’acier. Certains reprochent un manque de sérieux, une vulgarité jugée excessive, et une tendance à tourner en dérision le matériel source, ce qui pourrait déplaire aux puristes de l’univers de Superman. Mais la surprise majeure vient du public visé. Contre toute attente, le film est perçu comme s’adressant principalement à une audience très jeune. Des voix s’élèvent pour décrire le film comme une œuvre “pour bébés”, regrettant un virage enfantin qui s’éloignerait des interprétations plus matures du genre super-héroïque. Est-ce le signe d’une nouvelle ère pour les films DC, ou une simplification excessive de l’un des héros les plus emblématiques ?

Le cœur de la discorde réside également dans l’écriture du film. Le scénario de Superman 2025 est vivement critiqué, jugé simpliste et manquant de profondeur. Quant aux dialogues, ils seraient non seulement didactiques, mais aussi parmi les moins inspirés jamais entendus pour une production de cette envergure. Cette faiblesse narrative pourrait-elle compromettre l’immersion des spectateurs ?

La direction d’acteurs est un autre point sensible. Les performances sont décrites comme excessives, voire caricaturales, avec un surjeu généralisé. La prestation de Nicolas Hoult en Lex Luthor est particulièrement pointée du doigt. Côté visuels, malgré quelques éclairs de génie dans les scènes d’action, l’intégration de Superman en CGI serait parfois trop visible, ce qui, paradoxalement, diminuerait la tension et le réalisme. La cinématographie elle-même est jugée “plate”, évoquant davantage une série télévisée qu’un blockbuster cinématographique.

Le personnage de Krypto le Super-chien, pourtant un ajout charmant sur le papier, semblerait devenir une source d’agacement pour certains spectateurs. Son utilisation excessive, le transformant en une sorte de “deus ex machina” constant, pourrait nuire à l’équilibre du récit et devenir redondant.

Les regrets s’accumulent quant au traitement de Clark Kent, jugé insuffisamment développé, et à l’absence de moments véritablement emblématiques pour le personnage de Superman. La performance de David Corenswet en Superman, malgré l’enthousiasme initial de certains, est décrite comme “nulle” et “neutre” par d’autres, manquant de l’aura et du charisme attendus. Enfin, la décision de rebooter l’univers DC et d’effacer les précédentes incarnations est au cœur des débats. Beaucoup s’interrogent sur la pertinence d’un tel redémarrage, suggérant qu’une coexistence des différentes visions aurait pu être plus bénéfique pour les fans.

Alors, Superman (2025) sera-t-il le film qui relancera l’univers DC avec brio, ou une déception majeure qui alimentera encore plus les critiques ? Les avis sont partagés, et seul l’avenir nous dira si ce nouveau chapitre tiendra ses promesses.

Publié le 3 juillet 2025 par Jeano

Publié le 23 juin 2025 par Jeano

Publié le 17 juin 2025 par Jeano

Publié le 16 juin 2025 par Jeano

Publié le 12 juin 2025 par Jeano

Publié le 6 juin 2025 par Jeano

Avec Le Répondeur, Fabienne Godet nous propose une comédie douce-amère où la voix devient le nouveau terrain de jeu des relations humaines. Imaginez un peu : un écrivain au bout du rouleau (Denis Podalydès) engage un imitateur un peu paumé (Salif Cissé) pour répondre à ses appels. Un pitch qui sent bon l’absurde à la française, quelque part entre Marivaux sous Prozac et un épisode de Black Mirror sous Lexomil.

Le pitch : un stratagème plus tordu qu’un scénario de série Netflix

Pierre Chozène (Podalydès), prix Goncourt 2009 (prenez ça, Marie Ndiaye !), rêve d’un truc improbable pour se concentrer : ne plus répondre à son portable. Plutôt que de résilier son abonnement (ce serait trop simple), il embauche Baptiste, imitateur de stand-up (Cissé), pour prendre sa voix et répondre à sa place. Et hop, le répondeur humain est né. Ça aurait pu virer au vaudeville de camping, mais heureusement, Fabienne Godet préfère les silences feutrés aux claquements de porte.

Salif Cissé : le nounours le plus imprévisible de la comédie française

Salif Cissé, qu’on avait déjà repéré dans À l’abordage, incarne Baptiste avec une bienveillance confondante. À tel point qu’on aimerait bien l’embaucher pour répondre à nos parents quand ils appellent le dimanche matin. Sa douceur et son espièglerie apportent un contrepoint idéal à la voix grave et nasillarde de Podalydès, dont on dirait qu’elle a été conçue exprès pour être imitée. Un match parfait !

La voix, un terrain de jeu… et de perdition

Ici, la voix n’est pas seulement un outil : c’est une arme de construction massive. Entre les imitations bluffantes (merci Michaël Gregorio et les ingénieurs du son) et les quiproquos téléphoniques, le film avance mine de rien vers une réflexion plus profonde sur l’identité. Peut-on être soi-même quand on parle avec la voix d’un autre ? Peut-on devenir un autre pour mieux exister ? Godet filme cette question avec la délicatesse d’une broderie, préférant les interstices aux éclats de rire tonitruants.

Une comédie douce et piquante à la fois

Certes, le film n’exploite pas toujours à fond son potentiel comique. On aurait aimé un peu plus de folies, de situations absurdes (un concours d’imitation en finale, par exemple). Mais on pardonne vite car Le Répondeur trouve le ton juste entre la comédie et l’émotion. Les silences, les regards, les respirations : tout compte ici. Un peu comme si Fabienne Godet avait décidé de nous rappeler qu’on ne naît pas avec une voix, on l’apprend.

Note : 4/5

Le Répondeur est un film qui, sous ses airs de comédie douce, nous laisse un petit goût amer, comme un message qu’on aurait oublié d’effacer sur notre propre boîte vocale. Fabienne Godet signe là un film tendre, un peu absurde, souvent touchant. Et on se dit qu’on aimerait bien, nous aussi, engager Baptiste pour répondre à nos appels. Ne serait-ce que pour entendre une voix qui nous comprend. Une comédie française atypique, portée par deux acteurs irrésistibles, qui nous rappelle qu’une voix, ça se prête… mais que la vie, elle, ne se double pas si facilement.